Elysian fields II

No less than four years have passed between your last two albums. I remember that during the tour that you did in the form of a voice, guitar, piano trio, with your partner Thomas Bartlett in 2006, you were already playing “Night Melody of the Pull”, “Climbing my dark hair, “Someone” or “Drown those days”, almost half of The Afterlife. After the release of Bum Raps and Love Taps, inspiration does not seem to have failed you. What happened ? 

OB (sunk in his chair, his gaze elsewhere) – You want me to explain? It is because the music industry in general does not sufficiently commit to projects like ours. Once the album is finished and you send it to the label, they make their appointment with the accounting department, the accounting department makes recommendations to them, and they come back to you with their answer… In fact, it’s a bit the same as when in a game of pinball, you hit the ball, it disappears and stays in the capture hole for a while, and then it comes back to you at full speed and you lose it before you even have a chance to play your shot. That’s what happened… Bum Raps and Love Taps seemed like a very sophisticated and very produced album. Many titles had a particular architecture: you really took the time to set the scene, to settle into a climate, you thus postpone the entry into the very body of the song or the melody. We found a lot of sonic discoveries: I think of the distorted wurlitzer of “Out to Sea” or the guitar riff of “Set the Grass on Fire”. You seem to have opted this time for more simplicity and nudity. 

JC – You know, we’re not like those musicians who rent a studio for a year and lock themselves in to see what they’re going to do. We’re more… (snaps her fingers) in the magic of the moment. 

OB – We rarely do more than two takes, and try to play together as much as possible. Then we add one or two effects, a second guitar… but that’s it. For Bum Raps and Love Taps, all of these effects happened in one day at most. Everything was done very quickly. We had all our ideas in mind. The piano sound reworked by a wah wah pedal that you hear on “Duel with Cudgets”, Jennifer had already found it before. It must be said that we are surrounded by excellent musicians. It was Shahzad Ismaily [multi-instrumentalist whose importance and inventiveness we were able to appreciate the next day in the implementation of the songs played at Pleyel by the whole Zorn troupe] who found this inverted guitar sound to which you was referring. Thomas Bartlett is also someone who left a strong imprint on several pieces of Elysian Fields, even if I am the one who composes most of the piano parts: these pianistic figures, like those impressionist rolls that open “Duel with Cudgets “, Or the superb introduction of” Night Melody of the Pull “, on the last album. In my opinion, The Afterlife is no less produced, it perhaps plays less on the notion of space. But you know, we don’t really think in terms of albums. For us, if the collection makes sense, it remains secondary. The song is the natural unit of our work. What matters to us is what is good for the song. If I wanted someone to listen to my favorite stuff, I would never take an entire album, I would take tracks here and there. How do you work together? How are the roles distributed in the composition work? 

OB – Sometimes we start with a riff or a series of chords, but it is rather rare. Most of the time it’s Jennifer who finds the melody. She often even has the whole song before I can even write a single note (laughs). You often work with a dictaphone. 

JC – Yes, I sing on my dictaphone (she mimics herself holding her dictaphone). The Afterlife can sometimes be reminiscent of the soundtrack of a musical as in the duet “Ashes in Winterlight”. More generally, it has a very jazz color. “Turns me On”, for example, has something of Cole Porter in the rhythm and in the conduct of the melody, while the piano is more reminiscent of the late Duke Ellington, the one who played with Coltrane or Mingus. 

OB – The one from Money Jungle? Nice association! As for Ellington, let’s say if Elysian Fields is a house, Ellington overlooks it because he’s a God to us. It’s true that there is a huge reference to Coltrane in “Drown Those Days”… but it’s not John, it’s Alice (smile). We’re not proud of it, but we’ve been stealing stuff from Alice Coltrane from the start. We have always done this very explicitly. It’s a little embarrassing, but I hope that this will give everyone a sense of how these borrowings have always been made with the utmost respect. Is there something Cole Porter…? 

JC- Cole Porter was for me very early on an unsurpassable model in terms of writing, and who allowed me to understand what the form of a song is, in the classic sense of the term. His songs were the first ones that I really understood, long before pop music or anything like that. I also think of old movies like Singin ‘in the Rain. 

OB – Ah? 

JC – I don’t think there is a very strong link between our songs and Singin ‘in the Rain in terms of composition, but I think there is in terms of sensitivity. Of course, what you hear is us, but I think these films are also us. I really like this idea of ​​dialogue [cf. “Ashes in Winterlight”]. Oren and I have this kind of … classic relationship, a bit like Ginger and Fred, you know… these two characters who come back together. I think that’s how we were able to be inspired by musicals. The Afterlife gives off an impression of serenity despite the melancholy inherent in the themes you address: mourning of all kinds, the loss of a loved one, of a feeling, the prospect of death and despite that this insatiable desire to live. . The tone sometimes seems light (“Only for tonight”), as if you take it all with distance, detachment and have fun and invite your listener to have fun. At least to some extent. 

OB – I don’t think this album is that light. I think on the contrary that he carries a lot of suffering. If you take “The Moment”, Jennifer says: “I was lost / I was found / I was free / I was bound”. These people are not only found or released, they are also lost and bound. They are submerged, they are sinking. 

JC – This song is about this feeling that you experience during those first encounters, which are like an initiation to someone, and that you are crossed by these opposing forces. This song doesn’t mean that everything will be wonderful and that something is at its peak… it also means that everything is already over. There is all this tension surrounding them. 

OB – Jennifer, the fact that you chose The Red Shoes as the subject of one of your paintings [on the album cover] also has something to do with the special bond that existed between your father and the Michael Powell film… there was at home for example a poster of the film… and there is in one way or another a link between this painting and his death…

JC – Yes. My father introduced me to the film when I was twelve. He said it was his favorite movie. I don’t think I understood everything the first time I saw it. I loved the colors, the atmosphere, the tone that had nothing in common with what I had seen before. I remember feeling strangely haunted by this one, as if it frightened me, it exercised a deep and disturbing seduction, as if something of the order of a truth was revealed in it. I saw him again when I was a teenager, I think that’s when I understood him intimately. My father had the original movie poster in his apartment – a giant poster – and so I always associated it with him. He was very fond of Moira Shearer [the actress who stars in the film], and since her character resonated deeply with me, I felt very close to my father. I was thinking that if he could love Powell’s movie, he could love me too and maybe understand the choices that I was able to make in my life, like becoming an artist, or an independent and strong woman. . In the film by Michael Powell and Emeric Pressburger, one of the main characters, ballet director Lermontov, says of the ballet he is about to stage and which is at the center of the film since it takes up Andersen’s tale which is also entitled Les Chaussons Rouges: “Time rushes by, love rushes by, life rushes by but the shoes dance up ”. It seems to fit the spirit of the new album pretty well …

JC – I always wanted the album to be called The Afterlife. This title seems to me, in the broad sense, to correspond more to the album: these moments of passage that we encounter in existence, when you change your skin, your identity, what it is to live after death of something, even though it can be experienced as a kind of interior death, and a loving relationship, a person, emerges from these things and takes a new place in them. All these deaths which therefore make rebirths possible. The theme of the “Red Slippers” is for me closely linked to this “life after”. So with both, I say that I will continue to grow, that I will continue to go through new lives, experience new separations, that I will change but that I will never stop dancing, because you have to be prepared to sacrifice everything for your art. That’s why I think I found myself doing a portrait of myself dancing with red slippers.

Il s’est écoulé pas moins de quatre ans entre vos deux derniers albums. Je me souviens que lors de la tournée que vous aviez faite sous la forme d’un trio voix, guitare, piano, avec votre comparse Thomas Bartlett en 2006, vous jouiez déjà « Night Melody of the Pull », « Climbing my dark hair, « Someone » ou « Drown those days », soit quasiment la moitié de The Afterlife. Après la sortie de Bum Raps and Love Taps, l’inspiration ne semble pas vous avoir fait défaut. Que s’est-il passé ?

OB (enfoncé dans son fauteuil, le regard ailleurs) – Tu veux que je t’explique ? C’est que l’industrie musicale en général ne s’engage pas suffisamment sur des projets comme les nôtres. Une fois que l’album est fini et que tu l’envoies au label, ils prennent leur rendez-vous avec le service comptabilité, le service comptabilité leur fait des recommandations, et ils reviennent vers toi avec leur réponse… En fait, c’est un peu la même chose que lorsque dans une partie de flipper, tu frappes la boule, celle-ci disparaît et reste un certain temps dans le trou de capture, et puis elle te revient à toute vitesse et tu la perds avant même d’avoir pu jouer ton coup. C’est ce qui s’est passé… Bum Raps and Love Taps semblait un album très sophistiqué et très produit. Beaucoup de titres avaient une architecture particulière : vous preniez vraiment le temps de poser le décor, de vous installer dans un climat, vous différiez ainsi l’entrée dans le corps même de la chanson ou de la mélodie. On trouvait pas mal de trouvailles sonores : je pense au wurlitzer distordu de « Out to Sea » ou encore au riff de guitare de « Set the Grass on Fire ». Vous semblez avoir opté cette fois-ci pour davantage de simplicité et de nudité.

JC – Tu sais, nous ne sommes pas comme ces musiciens qui louent un studio pendant un an et qui s’enferment pour voir ce qu’ils vont faire. Nous sommes plus… (elle claque des doigts) dans la magie de l’instant.

OB – Nous faisons rarement plus de deux prises, et essayons autant que possible de jouer ensemble. On rajoute ensuite un ou deux effets, une seconde guitare… mais c’est tout. Pour Bum Raps and Love Taps, tous ces effets se sont faits en une journée au plus. Tout a été fait très vite. Nous avions toutes nos idées en tête. Le son de piano retravaillé par une pédale wah wah que tu entends sur « Duel with Cudgets », Jennifer l’avait déjà trouvé avant. Il faut dire que nous sommes entourés d’excellents musiciens. C’est Shahzad Ismaily [multi-instrumentiste dont on a pu apprécier le lendemain l’importance et l’inventivité dans la mise en place des titres joués à Pleyel par toute la troupe de Zorn] qui a trouvé ce son de guitare inversé auquel tu faisais référence. Thomas Bartlett est aussi quelqu’un qui a laissé une forte empreinte sur plusieurs morceaux d’Elysian Fields, même si c’est moi qui compose la plupart des parties pour piano : ces figures pianistiques, comme ces roulements impressionnistes qui ouvrent « Duel with Cudgets», ou la superbe introduction de « Night Melody of the Pull », sur le dernier album. À mon sens, The Afterlife n’est pas moins produit, il joue peut-être moins sur la notion d’espace. Mais tu sais, nous ne pensons pas vraiment en terme d’album. Pour nous, si la collection a du sens, elle reste secondaire. La chanson est l’unité naturelle de notre travail. Ce qui compte pour nous c’est ce qui est bon pour la chanson. Si je voulais faire écouter les trucs que je préfère à quelqu’un, je ne prendrais jamais un album dans sa totalité, je prendrais des titres de-ci de-là. Comment travaillez-vous ensemble ? Comment se distribuent les rôles dans le travail de composition ?

OB – Parfois nous partons d’un riff ou d’une suite d’accords, mais c’est plutôt rare. La plupart du temps c’est Jennifer qui trouve la mélodie. Elle a même souvent toute la chanson avant même que je n’aie pu écrire une seule note (rires). Tu travailles souvent avec un dictaphone.

JC – Oui, je chante à mon dictaphone (elle se mime tenant son dictaphone). The Afterlife peut parfois faire penser à la bande son d’une comédie musicale comme dans le duo « Ashes in Winterlight ». Il a plus généralement une couleur très jazz. « Turns me On », par exemple, a quelque chose de Cole Porter dans le rythme et dans la conduite de la mélodie, tandis que le piano fait davantage penser au dernier Duke Ellington, celui qui jouait avec Coltrane ou Mingus.

OB – Celui de Money Jungle ? Belle association ! En ce qui concerne Ellington, disons que si Elysian Fields est une maison, Ellington la surplombe parce que c’est un Dieu pour nous. C’est vrai qu’il y a une référence énorme à Coltrane dans « Drown Those Days »… mais ce n’est pas John, c’est Alice (sourire). On n’en est pas fier mais nous piquons des trucs à Alice Coltrane depuis le début. Nous l’avons toujours fait de manière très explicite. C’est un peu embarrassant mais j’espère ainsi que tout le monde sentira combien ces emprunts ont toujours été faits avec le plus grand respect. Est-ce qu’il y a quelque chose de Cole Porter… ? JC- Cole Porter a été pour moi très tôt un modèle indépassable en terme d’écriture, et qui m’a permis de comprendre ce qu’est la forme d’une chanson, au sens classique du terme. Ses chansons ont été les premières que j’ai vraiment assimilées, bien avant la pop musique ou quelque chose dans ce genre. Je pense aussi à de vieux films comme Singin’ in the Rain.

OB – Ah ?

JC – Je ne crois pas qu’il y ait un lien très fort entre nos chansons et Singin’ in the Rain en terme de composition mais je pense qu’il y en a un en terme de sensibilité. Bien sûr, ce que tu entends c’est nous mais je pense que ces films, ce sont aussi nous. J’aime beaucoup cette idée du dialogue [cf . « Ashes in Winterlight »]. Oren et moi avons cette sorte de relation… classique, un peu à la Ginger et Fred, tu sais… ces deux personnages qui reviennent ensemble. C’est je crois de cette manière que nous avons pu être inspirés par des comédies musicales. The Afterlife dégage une impression de sérénité malgré la mélancolie inhérente aux thèmes que vous y abordez : les deuils de toute sortes, la perte d’un être cher, d’un sentiment, la perspective de la mort et malgré cela cet insatiable désir de vivre. Le ton semble parfois léger (« Only for tonight »), comme si vous preniez tout cela avec distance, détachement et que vous vous en amusiez et invitiez votre auditeur à s’en amuser. Au moins dans une certaine mesure.

OB – Je ne crois pas que cet album soit si léger. Je pense au contraire qu’il porte beaucoup de souffrance. Si tu prends « The Moment », Jennifer dit : « I was lost/ I was found/I was free/ I was bound ». Ces personnes ne se sont pas seulement trouvées ou libérées, elles sont aussi perdues et liées. Elles sont submergées, elles sombrent.

JC – Cette chanson parle de ce sentiment que tu éprouves lors de ces premières rencontres, qui sont comme une initiation à quelqu’un, et que tu es traversé par ces forces contraires. Cette chanson ne signifie pas que tout sera merveilleux et que quelque chose est porté à son comble… elle signifie aussi que tout est déjà fini. Il y a toute cette tension qui les entoure.

OB – Jennifer, le fait que tu choisisses The Red Shoes comme sujet d’un de tes tableaux [sur la couverture de l’album] a aussi quelque chose à voir avec le lien particulier qui existait entre ton père et le film de Michael Powell… il y avait chez lui par exemple un poster du film… et il y a d’une manière ou d’une autre un lien entre ce tableau et sa mort…

JC – Oui. Mon père m’a fait découvrir le film lorsque j’avais douze ans. Il disait que c’était son film préféré. Je ne pense pas que j’ai tout compris la première fois que je l’ai vu. J’en avais adoré les couleurs, l’atmosphère, le ton qui n’avait rien de commun avec ce que j’avais pu voir avant. Je me souviens m’être sentie étrangement hantée par celui-ci, comme s’il me faisait peur, il exerçait une séduction profonde et inquiétante, comme si quelque chose de l’ordre d’une vérité s’y révélait. Je l’ai revu quand j’étais adolescente, je crois que c’est à ce moment que je l’ai intimement compris. Mon père avait l’affiche originale du film dans son appartement – un poster géant – et donc je l’ai toujours associé à lui. Il aimait beaucoup Moira Shearer [l’actrice qui tient le rôle principal dans le film], et comme son personnage avait profondément résonné en moi, je me suis senti très proche de mon père. Je me disais que s’il pouvait aimer le film de Powell, il pourrait m’aimer aussi et peut-être comprendre les choix que j’ai pu faire dans ma vie, comme ceux de devenir une artiste, ou une femme indépendante et forte. Dans le film de Michael Powell et d’Emeric Pressburger, l’un des personnages principaux, le directeur des ballets Lermontov, dit du ballet qu’il s’apprête à monter et qui est au centre du film puisqu’il reprend le conte d’Andersen qui s’intitule aussi Les Chaussons Rouges : « Time rushes by, love rushes by, life rushes by but the shoes dance up ». Cela semble assez bien correspondre à l’esprit du nouvel album…

JC – J’ai toujours voulu que l’album s’intitule The Afterlife. Ce titre me semble, au sens large, davantage correspondre à l’album : ces moments de passage que l’on rencontre dans l’existence, lorsque tu changes de peau, d’identité, ce que c’est que de vivre après la mort de quelque chose, quand bien même ce peut être vécu comme une sorte de mort intérieure, et qu’une relation amoureuse, une personne, émergent de ces choses et y prend une nouvelle place. Toutes ces morts qui rendent donc possibles des renaissances. Le thème des « Chaussons rouges » est pour moi étroitement lié à cette « vie d’après ». Donc, avec les deux, je dis que je continuerai à grandir, que je continuerai à traverser de nouvelles vies, vivre de nouvelles séparations, que je changerai mais que je ne m’arrêterai jamais de danser, parce qu’on doit se préparer à tout sacrifier pour son art. C’est pour ça je pense que je me suis retrouvée à faire un portrait de moi en train de danser avec des chaussons rouges. (…)

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