Post-punk and also the trees. Simon Huw Jones

The sequel is precisely a series of albums produced first for an English label, Reflex, then German, Normal. It opens with the cornerstone of the group, Virus Meadow (1986) – a very short album, as if the group were still reluctant to deliver their music to the world – which will follow with regularity The Millpond Years (1988), Farewell to the Shade ( 1989), Green is the Sea (1992). The most outstanding pieces of the group’s so-called classical period are called “Virus Meadow”, “Slow Pulse Boy”, “Gone like the Swallows”, “Scarlet Arch”, “Shaletown”, “Prince Rupert”, “Belief in the Rose ”,“ Anchor Yard ”or even“ Blind Opera ”, and oscillate between feverish lyricism and introspection. Simon Huw Jones develops his mythology composed of headless female effigies, tired old heroes of the first English revolution, of Shakespearean characters, sailors, wandering travelers, who drag their melancholy and memories of a fragile and fleeting happiness on canvases worthy of Turner or Friedrich. The texts develop a whole art of suggestion which will be refined over time and where the narration often competes with a sense of the image, of small sensory notation, an art of a landscape designer or a photographer.

Moreover, it is no coincidence that Simon Huw Jones today evokes among his favorite photographers Eugène Atget, whose black and white photos of old Paris had for surrealists this ability to transform reality into clusters of signs. and backgrounds which leave to the imagination the possibility of scaffolding all the possible stories that reality has squeezed out. Robert Desnos wrote about Atget, in an article from 1928 entitled “The spectacles of the street”: “The capital erected by Atget raises its impregnable ramparts under a sky of gelatin. The maze of streets continues like a river. And the crossroads still serve as pathetic rendezvous. »This relationship to the image, in its rawness,

The other connection that we could attempt between the writing of Simon Huw Jones and Atget’s photo albums lies in this common taste for strolling which animates the photographer and which is the movement that draws each title: bucolic stroll on “Right Bank”, through the rooms of an old house crossed by the vibrating rays of the sun (“The Beautiful Silence”), or even from pubs to pubs (“The Saracen’s head”). Each title is developed according to a method that the main interested party defines as a kind of “work in progress”, in which the music plays a leading evocative role, but which also leaves room for chances, like this name, ” Red Valentino ”, taken from reading a magazine article on Italian designer RED Valentino… which obviously has nothing to do with this double,

AATT, however, does not manage to escape two pitfalls which it will eventually come up against: first of all a certain complacency in a Victorian imagery which ends up giving it a clogged air, and the increasing weight of the keyboards which considerably weigh down the subject. , at a time when there is no shortage of inspiration. Green is the Sea, in spite of its arrangements, is indeed a very good album, and the concerts given by the group remain among the best that it is possible to see. Some explosive elements, such as the music hall brass which opens precisely this “Red Valentino”, the sitars and the junk shakuhachis of the handsome “Jacob Fleet”, also on Green is the Sea, or even this clumsy cover of the song by Cat Stevens, “Lady D’Arbanville” are all signs of a much greater openness to the musical world than it seemed at the time. Simon Huw Jones says, “We have admired Scott Walker since the early 1980s, and although we never consciously tried to be inspired by his work, we liked the idea of ​​remaining as receptive as possible to his music, in it. hope that a little of his brilliance and his intelligence could rub off on us. It’s the same with Brel. (…) Forever Changes [Love’s album, Arthur Lee’s band] is also a record that we grew up with and that has never left us. I think his influence – if he has one (and we would have hoped that it exists) – lies in the arrangements and melodies, especially on the guitar ”. 

“American Territories”

The 90s will be those of questioning and an attempt to find new resources in other countries: “With Farewell to the Shade, we felt that we had gone as far as possible in this romantic and pastoral vein, so characteristic of AATT. We also felt that the sound that was Justin’s hallmark would soon have lost its charm if we had continued like this. So, we decided to look elsewhere. Both our sound and our image were strong and unique, and we were worried about becoming prisoners of it. It was an artistic decision, we wanted to evolve rather than repeat ourselves. Green is the Sea was the first step towards this elsewhere. The guitar is really what drives us. When Justin started changing his style for that twangy direction [refers to the way the guitar is plucked, especially in what you might call western rock] surf or almost rockabilly, we followed him. As a lyricist, I rely on music as a vehicle and for me it was like a journey through time and space on a continent. The passenger was the same, but the scenery had changed. I abandoned the fields I had always known for more urban universes. This choice was quite unpopular with a large part of our audience at the time, but we found it exciting. I think if we hadn’t gone in that direction, we probably would have stopped writing together ”. Unexpectedly, AATT therefore abandons its Anglicisms (John Peel seeking to explain the reasons for the lack of echo that the group’s albums have always received in England said that it was “too English for the English”), to go and reclaim the mythology of Great West, with its desert and suffocating landscapes (“Missing”), its duels in the sun worthy of Morricone (“Sunrise”), then of Hollywood, its femme fatales, its noisy, crowded and populous streets (“Divine Sickness” or “ Brother Fear ”). More jazz influences are entering the world of AATT (the group uses a trumpeter, Will Waghorn, to play the film noir Miles Davis as in Elevator for the Scaffold) and the visions generally seem more cinematic, as for the Lynchian “Paradiso”. Justin Jones’s guitar, who physically, slicked back hair,

Yet it is more through cinema (that of the forties and fifties but also that of Lynch and Tarantino for the way in which he reappropriates the codes and figures), literature, the novels of Scott Fitzgerald, Harper Lee , those of Malcolm Lowry or William Faulkner, and finally the painting of Edward Hopper that constructs the prism through which AATT looks at the American world: “It was important that the spirit of the Trees be always there and that these moods be introduced. in our music, not as if we are trying to merge into them, but rather as if we are looking at them as observers ”. These albums, notably Angelfish (1996), have a certain charm – and “Dialogue”, ”Missing” or “Paradiso” appear today as key pieces; However, they do not manage to convince completely, as if the group had only retained from Hopper this smooth, impenetrable and aestheticizing surface of the images, without succeeding in expressing through it the feeling of loneliness which arises below, or in restoring it. if only the enigmatic character. AATT will then seem to force its nature. Silver Soul (1998), the last album of what one might call the American trilogy, will remain as the great favorite of AATT’s discography. The group is shunned. The Worcestershire house is sold after the death of Justin and Simon’s father: “It was the house where AATT was born, where we rehearsed, where our source of inspiration was. It seemed to us that without it, AATT would have to cease to exist ”. The two brothers and Steven Burrows, who will go on to train the Badass Cowboys,


One would be tempted to say that the members of the group were “content to live” during these five years: moves, trips, children, weddings. This return to the world and this temporary oblivion of their musical past are not, however, to be underestimated when we see in retrospect how much what he lacked in the American period of the group can be translated in terms of incarnation. This cut, this rupture is the lapse of time that desire also needed to be reborn: “In fact, we gave up a lot of things after Silver Soul, we abandoned this idea of ​​traveling to Americana, and for a while this part of my life no longer existed. Working on Further from the Truth felt like a kind of rebirth for us, not a continuation of what we had been doing. I remember that moment when I thought that everyone had forgotten about us and that we weren’t going to arouse any more interest, and despite that deciding that even if we did not end up with the result coming out in the form of a record, it made me think. I had to write it down and save it at all costs. It is indeed with Further from the Truth (2003), that we understand to what extent AATT was right, ten years earlier, to shift its focus. American musical aspirations and more English sensibility are contaminated to the point of becoming indistinguishable, like this uncertain “Feeling Fine” which describes a sort of thwarted desire for well-being and which takes the group to one of its outbursts. energy and fervor that we no longer knew him. Synthesis album, posed, nuanced, musically refocused around the guitar, bass, drums trio, and recorded in almost live conditions, Further from the Truth mixes moments of light nostalgia (“41 York Street”), disheveled lyricism (“The Reply”), existential anxiety and epic vein worthy of “Virus Meadow” (“The untangled Man ”), More relaxed tempos and guitars (wah wah) borrowed from black music (“ Genevieve ”and“ He walked through the Dew ”). Abandoning too strong references, Simon Huw Jones, relies on the spectacle of a street, a female figure glimpsed at a window, the wind, a domestic interior. This homecoming which – as we have understood – is not one, AATT also owes it to the arrival of a young drummer, Paul Hill: “Paul has played in many other groups, ska groups. , rock, pop, cabaret, jazz… and it was then that he was mercilessly sucked into this musical black hole that is AATT. Paul’s influence has really been very positive on Further From The Truth. It was the first time that he was involved in the creation process and his arrival gave an extraordinary spark of life ”. The group will defend this new album in live performances which will be as usual, astonishing of cohesion and intensity, then will grant itself a sort of assessment of its career with the 1980-2005 compilation, then made probably possible because the group knows again that it has a future. 2006 sees the culmination of the collaboration between Simon Huw Jones and Bernard Trontin, with the release of the album November, defended in these pages. Mathew Devenish, the sound engineer who had worked with them on Further From The Truth, spots a barn attached to an 11th century manor house in Hertfordshire, not far from which there is also a labyrinth and a lake. The group locked themselves there in the summer of 2006 with Ian Jenkins, a double bass player with whom Justin Jones worked, and made (listen for) The Rag and Bone Man.

(listen for) The Rag and Bone Man thus prolongs this lyrical and romantic vein which made the reputation of the group – like the inimitable and dense playing of Justin Jones, whose guitar always sounds according to the titles like a harp (“The beautiful Silence ”), a mandolin (“ The Saracen’s Head ”) or an organ – but it incorporates, like its predecessor, those elements which have given AATT’s music all its relevance and vitality. Drums and double bass indeed come to compose a kind of elegant swing (“Right bank”), ample and warm (sometimes rowdy) while the alpine zither, the piano or the accordion come advantageously to replace the usual keyboards. A more important place is left to silence and it is on this that many pieces are gradually developed, like this “Domed” with its progressive installation, comparable to the evolving compositions of Godspeed You Black Emperor !. This song, the album’s matrix, is traversed by a continuous wave evoking a nocturnal, heavy and stormy space, first hollowed out by the ample bows of the double bass, then studded with a few notes of Fender Rhodes and guitars before revealing one of these lost characters, in full ratiocination, seeking peace… before the thunder ends up rumbling. This peace and calm are not only outside the scope of the record and appear sporadically at detours in “Right Bank” or “Mary of the Woods” and to a certain extent in this “Beautiful Silence”, where it is very difficult. to disentangle joy from sadness,

To speak of serenity would probably be excessive. Orchards, rivers, moors haunted by characters who are barely figures follow one another. Obsessive female presences, ghostly, sororal and incestuous companions as with Faulkner (“Candace”) or at Leonard Cohen, meet here sheep thieves, everyday men transformed into inaudible Jean Baptiste or street musicians who blindly never stop typing on their drums without understanding why. On each title the same enigma. Sealed mouths, opaque skies, deserted places where resound equivocal symbols and echoes of a past happiness, to which the heartbeat of a newborn child responds by way of conclusion (“Under the Stars”), it is in this clear obscure that the borders of the sensitive universe are drawn today, worried and precious from AATT. (Listen for) The Rag and Bone Man is a magnificent album whose titles are delivered more or less immediately, because often unfolding like paper flowers that are dipped in hot water. The ominous shadow of the last Scott Walker floats on “The Legend of Mucklow” but “any resemblance to other songs or other groups would be quite fortuitous” warns Simon Huw Jones at the end of a conversation where so many names have circulated. We would like to give him back a little of that kind of friendly plenitude that the last track of (Listen for) the Rag and Bone Man gets: “Then everything moves out of sight / And everything will be alright”. And Also The Trees is more alive than ever. 

La suite est justement une série d’albums réalisés d’abord pour un label anglais, Reflex, puis allemand, Normal. Elle s’ouvre sur la pierre angulaire du groupe, Virus Meadow (1986) – album très court, comme si le groupe hésitait toujours à livrer sa musique au monde – auquel succèderont avec régularité The Millpond Years (1988), Farewell to the Shade (1989), Green is the Sea (1992). Les morceaux les plus marquants de la période dite classique du groupe s’intitulent “Virus Meadow”, “Slow Pulse Boy”, “Gone like the Swallows”, “Scarlet Arch”, “Shaletown”, “Prince Rupert”, “Belief in the Rose”, “Anchor Yard” ou encore “Blind Opera”, et oscillent entre lyrisme fiévreux et introspection. Simon Huw Jones développe sa mythologie composée d’effigies féminines sans tête, de vieux héros fatigués de la première révolution anglaise, de personnages shakespeariens, de marins, de voyageurs errants, qui traînent leur mélancolie et leurs souvenirs d’un bonheur fragile et fugace sur des toiles dignes de Turner ou de Friedrich. Les textes développent tout un art de la suggestion qui va s’affiner avec le temps et où la narration le dispute souvent à un sens de l’image, de la petite notation sensorielle, un art de paysagiste ou de photographe.

D’ailleurs, ce n’est pas un hasard si Simon Huw Jones évoque aujourd’hui parmi ses photographes préférés Eugène Atget, dont les clichés en noir et blanc du vieux Paris avaient pour les surréalistes cette capacité de transformer la réalité en faisceaux de signes et d’arrière-plans qui laissent à l’imagination la possibilité d’échafauder toutes les histoires possibles que le réel a évincées. Robert Desnos écrivait à propos de Atget, dans un article de 1928 intitulé « Les spectacles de la rue » : « La capitale dressée par Atget dresse ses remparts inexpugnables sous un ciel de gélatine. Le dédale des rues poursuit comme un fleuve. Et les carrefours servent toujours de pathétiques rendez-vous. » Ce rapport à l’image, dans ce qu’elle a de brut, d’incomplet et de profondément suggestif est encore plus évident sur (listen for) the Rag and Bone Man dont chaque morceau pourrait être facilement rapporté à une couleur, une matière (SHJ évoque volontiers le bois) ou un sentiment : angoisse, colère, enthousiasme et joie…

L’autre rapprochement que l’on pourrait tenter entre l’écriture de Simon Huw Jones et les albums photos d’Atget réside dans ce goût commun pour la flânerie qui anime le photographe et qui est le mouvement que dessine chaque titre : flânerie bucolique sur “Rive droite”, au fil des pièces d’une vieille maison traversée par les rayons vibrants du soleil (“The Beautiful Silence”), ou encore de pubs en pubs (“The Saracen’s head”). Chaque titre s’élabore selon une méthode que le principal intéressé définit comme une sorte de « work in progress », dans lequel la musique joue un rôle évocatoire de premier plan, mais qui laisse la place aussi à des hasards, comme ce nom, “Red Valentino”, tiré de la lecture d’un article de magazine sur le créateur italien R.E.D. Valentino… qui bien évidemment n’a rien à voir avec ce double, ce musicien séducteur et faustien « in sick of paradise… ».

AATT ne parvient pas toutefois à échapper à deux écueils auxquels il va finir par se heurter : tout d’abord une certaine complaisance dans une imagerie victorienne qui finit par lui donner un air engoncé, et le poids croissant des claviers qui viennent considérablement alourdir le propos, à un moment où l’inspiration ne manque pas. Green is the Sea, en dépit de ses arrangements, est en effet un très bon album, et les concerts donnés par le groupe restent parmi les meilleurs qu’il soit permis de voir. Quelques éléments détonants, tels que les cuivres de music-hall qui ouvrent justement ce “Red Valentino”, les sitars et les shakuhachis de pacotille du beau “Jacob Fleet “, aussi sur Green is the Sea, ou encore cette reprise maladroite de la chanson de Cat Stevens, “Lady D’Arbanville” sont autant de signes d’une ouverture au monde musical beaucoup plus grande qu’elle ne paraît à l’époque. Simon Huw Jones confie « Nous admirions Scott Walker depuis le début des années 80, et bien que nous n’ayons jamais essayé consciemment de nous inspirer de son travail, nous aimions l’idée de rester réceptif autant que possible à sa musique, dans l’espoir qu’un peu de son éclat et de son intelligence pourrait déteindre sur nous. C’est la même chose avec Brel. (…) Forever changes [l’album de Love, le groupe d’Arthur Lee] est aussi un disque avec lequel nous avons grandi et qui ne nous a jamais quittés. Je pense que son influence – s’il en a une (et nous aurions espéré qu’elle existe) – se situe au niveau des arrangements et des mélodies, surtout à la guitare ».

« Territoires américains »

Les années 90 seront celles de la remise en question et d’une tentative de ressourcement vers d’autres contrées : « Avec Farewell to the Shade, nous sentions que nous étions allés aussi loin que possible dans cette veine romantique et pastorale, si caractéristique de AATT. Nous sentions aussi que le son qui était la marque de fabrique de Justin n’aurait pas tardé à perdre de son charme si nous avions continué ainsi. Alors, nous avons décidé d’aller voir ailleurs. Notre son comme notre image étaient forts et uniques, et nous étions inquiets à l’idée d’en devenir prisonniers. Ce fut une décision artistique, nous voulions évoluer plutôt que nous répéter. Green is the Sea a été le premier pas vers cet ailleurs. La guitare est vraiment ce qui nous dirige. Quand Justin commença à changer de style pour cette direction twangy [désigne la manière dont la guitare est pincée, notamment dans ce qu’on pourrait appeler le rock western] surf ou presque rockabilly, nous l’avons suivi. Comme parolier, je m’appuie sur la musique comme un véhicule et pour moi c’était comme un voyage à travers le temps et l’espace d’un continent. Le passager était le même mais le paysage avait changé. Je délaissais les champs que je connaissais depuis toujours pour des univers plus urbains. Ce choix a été assez impopulaire chez une grande partie de notre public d’alors mais nous trouvions cela excitant. Je pense que si nous n’étions pas partis dans cette direction, nous aurions probablement arrêté d’écrire ensemble ». De manière inattendue, AATT délaisse donc ses anglicismes (John Peel cherchant à expliquer les raisons du peu d’écho qu’ont toujours reçu en Angleterre les albums du groupe disait qu’il était « trop anglais pour les Anglais »), pour partir se réapproprier la mythologie du Grand Ouest, avec ses paysages désertiques et étouffants (“Missing”), ses duels au soleil dignes de Morricone (“Sunrise”), puis de Hollywood, ses femmes fatales, ses rues bruyantes, encombrées et populeuses (“Sickness divine” ou “Brother Fear”). Des influences plus jazz font leur entrée dans l’univers d’AATT (le groupe fait appel à un trompettiste, Will Waghorn, pour jouer les Miles Davis de film noir comme dans Ascenseur pour l’échafaud) et les visions semblent généralement plus cinématographiques, comme pour le lynchien “Paradiso”. La guitare de Justin Jones, qui physiquement, les cheveux gominés, commence à cultiver une certaine ressemblance avec Rudolf Valentino, s’inspire de musiciens comme Scotty Moore (guitariste du studio Sun Records pour Presley, Perkins ou Jerry Lee Lewis) ou Charlie Feathers (“Fighting in a Lighthouse”), à un moment où apparaissent des groupes tentés comme eux par cet enracinement artificiel, les Tindersticks, Tarnation, Calexico…

Pourtant c’est davantage par le cinéma (celui des années quarante et cinquante mais aussi celui de Lynch et de Tarantino pour la manière dont il s’en réapproprient les codes et les figures), la littérature, les romans de Scott Fitzgerald, Harper Lee, ceux de Malcolm Lowry ou de William Faulkner, et enfin la peinture de Edward Hopper que se construit le prisme à travers lequel AATT regarde le monde américain : « Il était important que l’esprit des Trees soit toujours là et que ces humeurs soient introduites dans notre musique, non pas comme si nous essayions de nous fondre en elles, mais plutôt comme si nous les regardions à la manière d’ observateurs ». Ces albums, notamment Angelfish (1996), ont un certain charme – et “Dialogue”, ” Missing” ou “Paradiso” apparaissent aujourd’hui comme des morceaux clés ; cependant, ils ne parviennent pas à convaincre complètement, comme si le groupe n’avait retenu de Hopper que cette surface lisse, impénétrable et esthétisante des images, sans parvenir à en exprimer à travers elle le sentiment de solitude qui sourd en dessous, ou à en restituer ne serait-ce que le caractère énigmatique. AATT semblera alors forcer sa nature. Silver Soul (1998), le dernier album de ce que l’on pourrait appeler la trilogie américaine restera comme le grand mal aimé de la discographie d’AATT. Le groupe est boudé. La maison du Worcestershire est vendue après la mort du père de Justin et Simon : « C’était la maison où AATT était né, où nous répétions, où se trouvait notre foyer d’inspiration. Il nous a semblé que sans elle, AATT devait cesser d’exister ». Les deux frères et Steven Burrows, qui partira former de son côté les Badass Cowboys, décident de mettre en veilleuse la carrière du groupe… pour un temps au moins.

« Re-naissance »

On serait tenté de dire que les membres du groupe se sont « contentés de vivre » pendant ces cinq années : déménagements, voyages, enfants, mariages. Ce retour au monde et cette remise aux oubliettes temporaire de leur passé musical ne sont cependant pas à sous-estimer quand on voit rétrospectivement combien ce qu’il a manqué à la période américaine du groupe peut être traduit en termes d’incarnation. Cette coupure, cette rupture est ce laps de temps qu’il fallait aussi au désir pour renaître : « En fait, nous avons laissé tomber beaucoup de choses après Silver Soul, nous avons abandonné cette idée de voyage en Americana, et pour un moment cette partie de ma vie n’a plus existé. Travailler sur Further from the Truth m’est apparu comme une sorte de renaissance pour nous, et non comme la continuité de ce nous avions fait. Je me souviens de ce moment où je pensais que tout le monde nous avait oubliés et que nous ne susciterions plus aucun intérêt, et malgré cela décider que même si nous au final le résultat ne sortait pas sous la forme d’un disque, il me fallait coûte que coûte l’écrire et l’enregistrer. » C’est en effet avec Further from the Truth (2003), que l’on comprend à quel point AATT a eu raison, dix ans plus tôt, de se décentrer. Aspirations musicales américaines et sensibilité plus anglaise se contaminent jusqu’à devenir indiscernables, à l’image de cet incertain “Feeling Fine” qui décrit une sorte de désir contrarié de bien-être et qui emmène le groupe vers l’un de ses accès d’énergie et de ferveur qu’on ne lui connaissait plus. Album de synthèse, posé, nuancé, musicalement recentré autour du trio guitare, basse, batterie, et enregistré dans des conditions presque live, Further from the Truth mêle moments de nostalgie légère (“41 York Street”), lyrisme échevelé (“The Reply”), anxiété existentielle et veine épique dignes de « Virus Meadow » (“The untangled Man”), tempos et guitares (wah wah) plus détendus empruntés à la musique noire (“Genevieve” et “He walked through the Dew “). Délaissant les références trop appuyées, Simon Huw Jones, s’appuie sur le spectacle d’une rue, une figure féminine entr’aperçue à une fenêtre, le vent, un intérieur domestique. Ce retour aux sources qui – on l’a compris – n’en est pas un, AATT le doit aussi à l’arrivée d’un jeune batteur, Paul Hill : « Paul a joué dans de nombreux autres groupes, des groupes de ska, de rock, de pop, de cabaret, de jazz… et c’est alors qu’il a été aspiré sans pitié par ce trou noir musical qu’est AATT. L’influence de Paul a vraiment été très positive sur Further From The Truth. C’était la première fois qu’il était impliqué dans le processus de création et son arrivée a donné une extraordinaire étincelle de vie ». Le groupe défendra ce nouvel album dans des prestations live qui seront comme à l’habitude, étonnantes de cohésion et d’intensité, puis s’octroiera une sorte de bilan sur sa carrière avec la compilation 1980-2005, alors rendu probablement possible parce que le groupe sait à nouveau qu’il a un avenir. 2006 voit l’aboutissement de la collaboration entre Simon Huw Jones et Bernard Trontin, avec la parution de l’album November, défendu dans ces pages. Mathew Devenish, l’ingénieur du son qui avait travaillé avec eux sur Further From The Truth, repère une grange attenant à un manoir du XIème siècle dans le Hertfordshire, non loin duquel se trouvent aussi un labyrinthe et un lac. Le groupe s’y enferme l’été 2006 avec Ian Jenkins, un contrebassiste avec lequel Justin Jones travaille, et y confectionne (listen for) The Rag and Bone Man.

(listen for) The Rag and Bone Man prolonge donc cette veine lyrique et romantique qui a fait la réputation du groupe – comme le jeu inimitable et dense de Justin Jones, dont la guitare sonne toujours au gré des titres comme une harpe (“The beautiful Silence”), une mandoline (“The Saracen’s Head”) ou un orgue –, mais il intègre, à l’instar de son prédécesseur, ces éléments qui ont redonné à la musique d’AATT toute sa pertinence et sa vitalité. Batterie et contrebasse viennent en effet composer une sorte de swing élégant (“Rive droite”), ample et chaud (parfois chahuteur) tandis que la cithare alpine, le piano ou l’accordéon viennent avantageusement remplacer les habituels claviers. Une place plus importante est laissée au silence et c’est sur celui-ci que bon nombre de morceaux s’élaborent progressivement, à l’image de ce “Domed” avec sa mise en place progressive, comparable aux compositions évolutives de Godspeed You Black Emperor !. Ce morceau, matrice de l’album, est parcouru d’une onde continue évoquant un espace nocturne, lourd et orageux, d’abord creusé par les coups d’archet amples de la contrebasse, puis constellé de quelques notes de Fender Rhodes et de guitares avant de laisser apparaître un de ces personnages perdus, en pleine ratiocination, cherchant la paix… avant que le tonnerre ne finisse par gronder. Cette paix et ce calme ne sont pas seulement dans le hors champ du disque et apparaissent sporadiquement à des détours dans “Rive droite” ou ” Mary of the Woods” et dans une certaine mesure dans ce “Beautiful Silence”, où il est bien difficile de démêler la joie de la tristesse, tant l’absence semble conjurée par l’œil habité de celui qui regarde (et dont seule la musique porte le lyrisme), qui se pose sur les objets occupant l’espace pour aboutir à un visage de femme : « Nous avions l’intention de créer davantage d’espace et de quiétude dans notre musique et j’ai ce désir conscient d’exprimer une certaine forme de joie dans mes paroles ».

Parler de sérénité serait probablement excessif. Les vergers, les rivières, les landes hantées par des personnages qui sont à peine des figures se succèdent. Présences féminines obsédantes, compagnes fantomatiques, sororales et incestueuses comme chez Faulkner (“Candace”) ou chez Leonard Cohen, croisent ici des voleurs de moutons, des hommes du quotidien transformés en Jean Baptiste inaudibles ou en musiciens de rue qui ne cessent aveuglément de taper sur leurs tambours sans comprendre pourquoi. Sur chaque titre la même énigme. Bouches scellées, cieux opaques, lieux désertés où résonnent symboles équivoques et échos d’un bonheur passé, auxquels répondent en guise de conclusion les battements de coeur d’un nouveau-né (“Under the Stars”), c’est dans ce clair obscur que se tracent aujourd’hui les frontières de l’univers sensible, inquiet et précieux d’AATT. (Listen for) The Rag and Bone Man est un album magnifique dont les titres se livrent plus ou moins immédiatement, car se dépliant souvent à la manière de fleurs de papier que l’on trempe dans de l’eau chaude. L’ombre inquiétante du dernier Scott Walker flotte sur “The Legend of Mucklow” mais « toute ressemblance avec d’autres chansons ou d’autres groupes serait tout à fait fortuite » prévient Simon Huw Jones au terme d’une conversation où tant de noms ont circulé. On aimerait lui renvoyer un peu de cette espèce de plénitude amicale que procure le dernier titre de (Listen for) the Rag and Bone Man : « Then everything moves out of sight / And everything will be alright ». And Also The Trees est plus vivant que jamais.

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